Họ là phụ nữ, họ da đen và họ không tạo ra nghệ thuật về điều đó

Một cuộc triển lãm mới tại Bảo tàng Phụ nữ trong Nghệ thuật Quốc gia đã đối mặt với hai giả định sai lầm trong thế giới nghệ thuật. Thứ nhất, phụ nữ nên làm nghệ thuật nữ tính, và thứ hai, các nghệ sĩ người Mỹ gốc Phi nên làm nghệ thuật tượng hình và nghệ thuật hoạt động, những tác phẩm đối mặt với các vấn đề chủng tộc, bất bình đẳng, bất công và lịch sử bạo lực lâu dài đối với người da đen.

Lĩnh vực từ tính: Mở rộng Trừu tượng Hoa Kỳ, những năm 1960 đến ngày nay tập trung vào các nghệ sĩ nữ da đen làm việc vượt hoặc ngoài những quy định đó. Tác phẩm bao gồm những bức tranh trừu tượng rực lửa được tạo nên từ những đại dương đông đặc bằng sơn và những bức tranh in tinh tế với sắc hồng và những cây trắc tinh xảo. Một số bức tranh bật ra khỏi các bức tường và thống trị không gian; những người khác im lặng thân mật và thu hút người xem đến gần hơn với sự thận trọng bí ẩn của họ. Nhưng tất cả đều thách thức những kỳ vọng thẩm mỹ bắt nguồn từ các phạm trù chủng tộc và giới tính tùy tiện.

Như một bài tiểu luận giới thiệu về danh mục của chương trình giải thích, những nghệ sĩ này đang làm việc trên một vùng ngoại vi của một vùng ngoại vi. Nhiều vùng ngoại vi này ở đâu? Không theo thứ tự ưu tiên cụ thể nào, hãy xem xét giới tính đầu tiên và giới tính trừu tượng. Vào giữa thế kỷ trước, lĩnh vực này được thống trị bởi những người đàn ông, những người đã lặp lại những ý tưởng của thế kỷ 19 về người nghệ sĩ anh hùng và sức mạnh của ma quỷ trong việc thể hiện cảm xúc. Những phụ nữ làm việc theo phong cách không khách quan bị coi thường, bị gạt ra ngoài lề hoặc bị hiểu sai. Khi họ cố gắng thành công theo cách riêng của mình, thường là do ngôn ngữ hình ảnh mà họ sử dụng phản ánh kỳ vọng về cơ thể và sự trục xuất của họ, cử chỉ nhỏ, tế nhị, màu sắc bị tắt hoặc hình thức lặp đi lặp lại giúp làm dịu mắt. Tất nhiên, vẫn có những trường hợp ngoại lệ, nhưng những trường hợp ngoại lệ củng cố những kỳ vọng truyền thống theo cách thông thường mà quyền lực tự bảo vệ: Bạn có buộc tội chúng tôi loại trừ hoặc gạt bạn ra ngoài lề? Chà, ví dụ đơn độc này ngược lại sẽ làm suy yếu lời buộc tội của bạn.

Tiếp theo, hãy xem xét chủng tộc. Khung thời gian bao gồm triển lãm này theo dõi lịch sử nghệ thuật từ mốc son của phong trào dân quyền vào những năm 1960 đến phong trào Black Lives Matter ở thời đại của chúng ta. Nhiều phụ nữ có mặt ở đây đã chống lại sự lôi kéo của việc làm nghệ thuật rõ ràng là chính trị hoặc trực tiếp về trải nghiệm của người da đen. Nghệ thuật trừu tượng thường được nhìn nhận dưới góc độ chủng tộc, như một hình thức ưu tú được các nghệ sĩ da trắng thực hành. Các nghệ sĩ da đen dự kiến ​​sẽ suy ngẫm về những ý tưởng của người da đen, sử dụng ngôn ngữ hình ảnh bắt nguồn từ những ý tưởng về nguồn gốc châu Phi của người Mỹ gốc Phi hoặc trải nghiệm của cộng đồng người Mỹ gốc Phi.

[Phòng trưng bày Quốc gia xem xét 10 Vermeers trong bối cảnh của các đồng nghiệp của nghệ sĩ]

Mildred Thompson, một trong những nghệ sĩ xuất sắc nhất trong cuộc triển lãm này, sẽ không có cái nào trong số đó. Sao chép những ký hiệu mà người ta không hiểu, cố tình sử dụng một hình thức mà người ta không biết cách phân tích hoặc đánh giá cao đối với tôi là đỉnh cao của mại dâm, cô nói. Và cô ấy không sẵn lòng nhường lại sự trừu tượng cho các nghệ sĩ ưu tú: Có lẽ vì tôi đã sống và học tập với ‘whitey’ nên tôi đã học được cách trân trọng Màu đen của mình.

Đó là một tuyên bố mạnh mẽ về tính độc lập và luôn bị thách thức bởi thói quen ăn sâu của các nhà phê bình, người quản lý, học giả, nhà sưu tập và khán giả.

Vì vậy, nghệ thuật bao gồm cảm thấy quyết đoán, thể hiện, thẳng thắn và không biện hộ. Nhưng ngoài khả năng cảm nhận được chia sẻ đó, liệu có mối liên hệ nào giữa các tác phẩm này không? Có mối quan hệ nào về phong cách hoặc chi tiết ràng buộc bất kỳ tác phẩm đơn lẻ nào với 40 tác phẩm khác được xem không? Có bài học nào vượt qua cá nhân nghệ sĩ không?

Đây là lãnh thổ nguy hiểm. Một khi bạn bắt đầu tìm kiếm những liên kết đó, bạn có nguy cơ hạn chế chính điều mà các nghệ sĩ đã cố gắng bảo tồn: Tính cá nhân và nội dung biểu đạt đặc trưng của mỗi tác phẩm.

justin bieber world tour 2021 vé

Tuy nhiên, dường như có những dấu vết của sự giống nhau hoặc mối quan hệ họ hàng, đặc biệt là trong cách một số tác phẩm thể hiện cảm giác bị chia cắt hoặc phân chia. Có lẽ điều này cho thấy quyền lực hoạt động như thế nào đối với chúng ta, cách nó tạo ra sự phân chia không chỉ giữa các nhóm xã hội mà còn trong ý thức về bản thân của chúng ta. Quyền lực cho chúng ta biết chúng ta nên là gì, bất kể chúng ta thực sự là ai. Nó ngăn cách chúng ta với phẩm giá bẩm sinh của chúng ta và đóng dấu giá riêng của nó lên ý tưởng của chúng ta, những món quà của chúng ta, những đóng góp của chúng ta.

Trong một sáng tác lớn và năng động của Shinique Smith, Vũ công gió lốc, sự phân cắt là vật lý. Bức tranh thoạt đầu có vẻ như đại diện cho một vật thể thống nhất, duy nhất, một dạng xoáy hoặc gió xoáy nào đó đã hút chất liệu và mảnh vụn của nửa thế kỷ hội họa thành một biểu hiện vòng lặp, cuồn cuộn của năng lượng tinh khiết. Nhưng đây thực sự là hai bức tranh ghép lại với nhau và khi bạn nghiên cứu đường nối đó, bạn nhận ra rằng các đường kẻ hoặc hình dạng chỉ vượt qua sự phân chia ở một vài nơi. Phép ẩn dụ này về một năng lượng toàn vẹn mặc dù được trải rộng trên một khe hở hoặc khe nứt là bản chất của sức mạnh của công việc.

Một tác phẩm điêu khắc của Barbara Chase-Riboud, có tấm bia bằng đồng và vải được trưng bày tại Phòng trưng bày Michael Rosenfeld ở New York vào mùa thu năm nay, được chia theo chiều ngang, với một chiếc váy vải dường như chịu được trọng lượng khổng lồ của thân bằng đồng. Bức tượng diễn ra một cuộc đối thoại mà nhiều người cảm thấy trong nội tâm, giữa nỗi sợ hãi ban đầu rằng mọi thứ có thể sụp đổ, và cảm giác phấn khích rằng chúng ta, bằng cách nào đó, đang xoay sở để giữ nó lơ lửng trong cõi hư vô.

[Phòng trưng bày chân dung quốc gia chọn các nghệ sĩ để vẽ chân dung Obama]

Jennie C. Jones được thể hiện bằng tác phẩm sử dụng các tấm acoustic để tạo ra sự trừu tượng cổ điển, tối giản. Nhưng các bảng âm thanh mang lại cho chúng sự gần gũi của sự im lặng, và sự phân đôi không khác với những gì được đề xuất bởi tác phẩm của Chase-Riboud: Đây là về sự im lặng, là bức tranh mà âm nhạc được viết và một lực lượng tinh thần giải phóng, hay hành động của bị im lặng, chiến lược đầu tiên và cơ bản của quyền lực là gì?

Những sự phân đôi này trải dài khắp cuộc triển lãm. Trong một tác phẩm đặc biệt ngoạn mục, bức tranh không có tiêu đề năm 1972-73 của Howardena Pindell, canvas được phủ bằng những chấm nhỏ có cùng kích thước với những mảnh giấy tròn nhỏ còn sót lại khi dùng máy dập giấy. Trong một tác phẩm khác, cô sử dụng những mảnh giấy tròn thực tế trộn vào sơn để tạo ra một tác phẩm tự truyện có hình dáng kỳ lạ đề cập đến thời gian cô ở Nhật Bản. Nhưng trong bức tranh acrylic không có tiêu đề, cô ấy đã tỉ mỉ vẽ dấu vết hai chiều của chúng, trên một tấm vải bao gồm một mô hình ảo giác của các nếp gấp, như thể toàn bộ thứ đã được nhét vào một cái tủ hoặc để nằm trên sàn nhà, không có chủ đích, cho đến khi không hoàn hảo. đã thành hình. Đó là một công việc phức tạp bắt đầu suy nghĩ về một chuỗi câu hỏi - ai đã tạo ra những dấu chấm này, ai đã đục lỗ trên tờ giấy và nhằm mục đích gì, và điều gì đã được viết trên các trang giấy bị đục lỗ? - điều đó cuối cùng chỉ ra ý tưởng về văn bản hoặc tài liệu đang được chúng tôi giữ lại.

Đây là câu hỏi mà quyền lực nào phải được đối mặt một cách nghiêm ngặt: Điều gì đang bị chúng ta ngăn cản? Triển lãm này là một câu trả lời thiết thực, thực dụng cho câu hỏi. Nhưng tất nhiên câu hỏi đặt ra một câu hỏi khác: Chúng ta giữ lại điều gì ở bản thân?

Các lĩnh vực từ tính: Mở rộng tính trừu tượng của Mỹ, những năm 1960 đến ngày nay được trưng bày tại Bảo tàng Quốc gia về Phụ nữ trong Nghệ thuật đến hết ngày 21 tháng 1. Để biết thêm thông tin, hãy truy cập www.nmwa.org.