Tác phẩm của nghệ sĩ Hyman Bloom được tôn kính. Và các thi thể là những tử thi.

Hyman Bloom’s 'Female Leg,' 1951; dầu trên vải. (Bảo tàng Mỹ thuật, Boston / Timothy Phillips / Từ Stella Bloom Trust)

Những bức tranh vẽ xác chết và những xác chết hở hang do Hyman Bloom thực hiện từ năm 1943 đến năm 1954 đã tạo thành một trong những tác phẩm về cơ thể tuyệt đẹp và đáng kinh ngạc nhất trong nghệ thuật Hoa Kỳ.

Những bức tranh của Bloom vừa kinh ngạc vừa kinh ngạc. Chúng được đốt cháy bởi những màu sắc nóng, rực rỡ phủ lên bề mặt của chúng như ngọn lửa, tiêu thụ và biến đổi những cơ thể tội nghiệp mà chúng miêu tả thành một thứ gì đó óng ánh và thanh tao. Các bức tranh, cùng với tuyển chọn các bức vẽ quy mô lớn, rực rỡ, là chủ đề của một buổi trình diễn tuyệt vời, được chờ đợi từ lâu, Hyman Bloom: Những vấn đề của sự sống và cái chết tại Bảo tàng Mỹ thuật của Boston. Trùng hợp với một cái mới tuyệt vời chuyên khảo trên Bloom và quảng cáo hiển thị ở New York , cuộc triển lãm có cảm giác giống như một sự kiện lớn.

Bloom (1913-2009) là một nhân vật gần như bị lãng quên. Nhưng sự sáng chói của ông đã được công nhận rộng rãi vào giữa thế kỷ. Jackson Pollock, Willem de Kooning và Franz Kline đều tôn kính anh ấy. Elaine de Kooning đã viết một cách xuất sắc về công việc ban đầu của mình. Học giả vĩ đại thời Phục hưng Sydney Freedberg gọi anh ta là một người điêu luyện với sơn. Và trong một lá thư gửi cho nhà thơ đồng nghiệp Elizabeth Bishop, Robert Lowell đã viết: Hyman là người kiên định, xuất chúng, khổ hạnh một cách đáng kinh ngạc - ngày càng nhiều người nói rằng anh ấy là họa sĩ giỏi nhất ở Mỹ, và anh ấy cũng vậy.

Triển lãm D.C. này nên được xem bởi tất cả mọi người lo lắng về cuộc khủng hoảng di cư

Sinh ra trong một ngôi làng nghèo khó của những người Do Thái Chính thống ở Latvia, Bloom đã trải qua những năm đầu sống trong căn nhà gỗ chỉ một phòng với sàn đất. Anh lên 7 tuổi khi gia đình anh đến Đảo Ellis vào năm 1920. Họ định cư cùng với hai người anh trai của Hyman, những người đã di cư trước Thế chiến thứ nhất, trong một căn hộ chung cư ở Boston’s West End, tám người chen chúc trong ba phòng.

Ở trường, tài năng của Bloom được giáo viên nghệ thuật lớp 8 chú ý, người đã khuyến khích anh đăng ký tham gia các lớp học vẽ tại một trung tâm cộng đồng. Nghệ sĩ Jack Levine, người đã trở thành bạn thân của Bloom, là một bạn học.

Giáo viên của họ, Harold Zimmerman, đã trau dồi tài năng của họ bằng phương pháp thử nghiệm. Anh ấy khiến họ tiến hành rất chậm, chỉnh sửa bản vẽ của họ từ trí nhớ thay vì quan sát trực tiếp, với những dấu hiệu và điều chỉnh nhỏ, luôn luôn nhạy bén với toàn bộ bố cục.

Khi còn là một thiếu niên, Bloom đã vẽ các võ sĩ và đô vật (hai người anh trai của anh ấy là những vận động viên thể hình) và - trong một bức vẽ đáng kinh ngạc được đưa vào chương trình - một người đàn ông cơ bắp to lớn thoát khỏi những sợi dây thừng dày trên một bánh xe tra tấn. Đối với tất cả các tác phẩm xuất sắc nhất của ông về quyền tự do họa sĩ, nét vẽ - và hình người - vẫn là nền tảng cho đến cuối cùng.

Thông qua Zimmerman, Bloom gặp Denman Waldo Ross, một giáo sư tại Đại học Harvard. Ross đã trợ cấp cho việc giáo dục nghệ thuật liên tục của các cậu bé. Anh ấy hướng dẫn họ vẽ tranh vào một đêm một tuần trong khi Zimmerman tiếp tục các lớp học vẽ của mình. Zimmerman cũng đưa Bloom và Levine đến New York, nơi Bloom được tiếp xúc với Chaim Soutine và Georges Rouault, những kim chỉ nam cho công việc sau này của anh.

Vào cuối những năm 20 tuổi, sự nghiệp của Bloom đã thành công rực rỡ. Anh ấy đang vẽ các giáo đường Do Thái, cây thông Noel và cô dâu theo một câu thành ngữ của Soutine, Rouault, Marc Chagall và Jean Dubuffet, nhưng điều đó có vẻ vẫn hoàn toàn nguyên bản. Ông bắt đầu giành được sự ủng hộ của những người như Dorothy Miller và Alfred Barr, những người phụ trách tại Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại, và sớm truyền cảm hứng cho các nghệ sĩ đồng nghiệp, bao gồm cả de Koonings và Pollock.

Năm 1941, Bloom đã có một trải nghiệm làm thay đổi sâu sắc cả cuộc sống nội tâm và quỹ đạo nghệ thuật của mình. Bạn thân của anh, Betty Tovey đã tự tử, và gia đình cô yêu cầu anh nhận dạng thi thể của cô tại nhà xác.

Bloom đã biết Tovey hơn một thập kỷ. Họ đã ở chung một ngôi nhà và một studio ở Boston. Cô ấy đã đi du lịch rất nhiều, có tính cách quốc tế, một nghệ sĩ vĩ cầm tài ba và hơn anh ta 10 tuổi. Hai người dường như không phải là người yêu của nhau, nhưng Tovey là người bạn tâm giao của Bloom trong khoảng thời gian chứng kiến ​​anh ta vật lộn với sự lo lắng và hoang mang về tâm linh. Khi anh rời xa theo đạo Do Thái, cô chia sẻ sở thích của mình đối với văn học siêu hình. Bloom bắt đầu khám phá thông thiên học, Vedanta (một trong những nhánh chính của triết học Ấn Độ giáo) và các hình thức khác của chủ nghĩa tâm linh. Anh ấy vẫn là một người tìm kiếm trong suốt cuộc đời của mình.

Trải nghiệm của anh khi nhìn thấy thi thể của Tovey trong nhà xác đã khiến anh nhìn nhận cái chết từ một góc nhìn mới và đẹp hơn. Anh ấy viết rằng tôi có niềm tin về sự bất tử, là một phần của cái gì đó vĩnh viễn và luôn thay đổi, về sự biến chất như bản chất của sự tồn tại.

Một người hay quan sát nghệ thuật của Bloom trong hai thập kỷ tới có thể cho rằng anh ta bị ám ảnh bởi bệnh tật và cái chết. Và theo một cách nào đó, anh ấy đã như vậy. Nhưng điều thực sự khiến anh bận tâm là sự đan xen sâu sắc, sự sống và cái chết không thể phân biệt được.

Góc nhìn của Bloom về cơ thể gần như là bẫy , một kiểu ngụy trang để bị tàn phá và riven, càng tốt để nhìn xuyên qua nó, có rất nhiều tiền nhân trong nghệ thuật châu Âu. Ví dụ, các nghệ sĩ của thời kỳ Phục hưng phương Bắc (đáng chú ý nhất là Matthias Grünewald), đã vẽ thân thể bị hủy hoại tuyệt vọng của Chúa Kitô với mục tiêu cụ thể là vượt lên trên thực thể. Công việc điện khí hóa của Bloom có ​​thể được coi là một phần của truyền thống này.

Hai năm sau khi xác định thi thể của Tovey trong nhà xác, Bloom tình cờ gặp một người bạn, nghệ sĩ David Aronson, người đang trên đường đến Bệnh viện Boston’s Kenmore để xem xác chết. Anh ấy đã mời Bloom đi cùng.

Hầu hết các tài liệu về nghệ thuật phương Tây kể từ thời kỳ Phục hưng đều bao gồm những câu chuyện về những nghệ sĩ phá vỡ điều cấm kỵ, những người tò mò về cấu trúc bên trong cơ thể con người, đã chuyển sự chú ý của họ đến các tử thi, thường kích động tranh cãi. Leonardo da Vinci và Michelangelo đã nghiên cứu và mổ xẻ chúng. Rembrandt và những người đồng hương Hà Lan của ông đã nâng cao truyền thống vào thế kỷ 17.

Vì vậy, hình ảnh hai họa sĩ trẻ Do Thái đầy tham vọng ở Boston cùng nhau đi đến bệnh viện để xem xác chết tự nó không phải là điều đáng chú ý. Tuy nhiên, chỉ vì năm đó là năm 1943, và rất nhiều người Do Thái đồng hương của hai nghệ sĩ này đã bị cuốn trôi khắp châu Âu và bị đưa đến các trại tập trung nơi họ bị sát hại một cách có hệ thống, nên thật khó để không bị ám ảnh bởi điều đó.

Bloom không có ý định vẽ những bức tranh tiếp theo của mình - những bức thống trị cuộc triển lãm này - như một bài bình luận về Holocaust. Tuy nhiên, những tiết lộ về thảm họa ở châu Âu chắc chắn đã ăn sâu vào trí tưởng tượng của anh ta. Và tất yếu, kiến ​​thức của chúng ta về những sự kiện đó tạo thành một phần của lăng kính mà qua đó chúng tôi nhìn thấy chúng.

Thập kỷ sau chiến tranh, Bloom đã cho ra đời tác phẩm mạnh nhất của mình - không chỉ là những hình ảnh về xác chết và khám nghiệm tử thi mà còn là những hình ảnh hấp dẫn, gần như trừu tượng về đống kho báu được khai quật. Những tác phẩm lấp lánh này, được xây dựng bằng những đoạn sơn kết cấu tuyệt đẹp, mô tả chủ thể của chúng như thể được đặt theo chiều ngang (như một cơ thể trên một phiến đá) và được nhìn từ trên cao.

nfl 53 man danh sách hạn chót 2015

Bloom được truyền cảm hứng một phần từ những hình ảnh của những khám phá khảo cổ học gần đây. Anh ấy đã đặt cho các bức tranh những danh hiệu như Kho báu khảo cổ và Bản đồ kho báu, mời chúng ta xem những điểm tương đồng giữa các kho báu được khai quật (và chiếc kính trắng đục mà anh ấy đặc biệt yêu thích) và độ sáng lấp lánh của phần bên trong cơ thể.

Mười năm sau khi Bloom đại diện cho Hoa Kỳ tại Venice Biennale (cùng với Pollock và de Kooning), anh được kết hợp với nghệ sĩ người Anh Francis Bacon trong một buổi biểu diễn tại Đại học California ở Los Angeles.

Tôi muốn thấy nó được phục hồi như thế nào. Cả hai nghệ sĩ đều bận tâm đến phần cơ thể xấu xí của con người - cơ thể như thịt. Nhưng Bacon, một nhà hiện sinh triệt để, không có xương sống trong cơ thể. Đối với anh, cuộc sống là một dạng rạp hát, một trò chơi dẫn đến sự vô ích. Ngược lại, Bloom nghĩ rằng còn có gì đó nữa. Anh ấy là một nghệ sĩ có tầm nhìn xa, yêu thích những dòng suy nghĩ ngày càng trở nên kém thời thượng hơn để yêu. Anh ấy không quan tâm đến thành công trong thế giới nghệ thuật.

Khi những người phụ trách bảo tàng đến thăm xưởng vẽ của anh ấy, anh ấy đã trở nên nổi tiếng với những bức tranh vẽ trên tường. Từ lâu tôi đã tự hỏi: Có phải Bloom đang cố che giấu các tác phẩm của mình khỏi đôi mắt mà anh ta cho là không thể hiểu được? Hay anh ấy nhận ra rằng những thứ gần đây của anh ấy không giống với công việc trước đó của anh ấy?

Có lẽ anh ấy chỉ khiêm tốn. Cuối cùng, giống như rất nhiều người tìm kiếm chân chính, Bloom đã đi theo con đường riêng của mình. Anh ấy đã thấy những gì anh ấy đã thấy. Điều đó ngày càng trở nên ít quan trọng hơn đối với anh ấy khi những người còn lại trong chúng ta cũng thấy điều đó. Anh ấy đã tạo ra những điều tốt đẹp trong nhiều thập kỷ sau đó. Nhưng những tác phẩm ông vẽ trong thập kỷ sau Thế chiến II vẫn là một thành tựu vĩ đại và không thể xóa nhòa.

Hyman Bloom: Những vấn đề của sự sống và cái chết Đến hết ngày 23 tháng 2 tại Bảo tàng Mỹ thuật, Boston. mfa.org .

Bức ảnh gây xôn xao nhất từ ​​sứ mệnh Apollo không phải là mặt trăng. Nó là của Trái đất.

Hilma af Klint, người phụ nữ vẽ nên tương lai

Phim tài liệu về thiên nhiên có phải là nghệ thuật vĩ đại nhất của thời đại chúng ta không?